Diciembre siempre será el mes de John Lennon, el mes en el que se conmemora el aniversario luctuoso del virtuoso músico británico, bien conocido por ser el fundador de The Beatles, pero también un ícono de la lucha por la paz y justicia social en el mundo.

El 8 de diciembre de 1980, John Lennon fue asesinado a las afueras de su residencia en el Edificio Dakota en Nueva York por Mark David Chapman. Este trágico evento conmocionó al mundo y dejó un vacío irreparable en la música y la cultura global.

Como parte de los Beatles, Lennon contribuyó a revolucionar la música popular, incorporando innovadoras técnicas de grabación y explorando géneros diversos. Su experimentación musical continuó en su carrera en solitario, reflejando su búsqueda constante de la originalidad.

Por ejemplo, su canción “Imagine” se convirtió en un himno pacifista y su activismo, junto con su esposa Yoko Ono, dejó una huella duradera en la conciencia colectiva. 

El impacto cultural de Lennon trascendió la música. Su estilo de vida, ideas y letras inspiraron a generaciones, convirtiéndolo en una referencia innegable. Su imagen y legado continúan influyendo en artistas de diversas disciplinas.

Para celebrar su legado en el rock y pop contemporáneos, damos un recorrido por cinco canciones icónicas de John Lennon.

Un repaso por sus éxitos más memorables

En el vasto repertorio de John Lennon, algunas canciones han dejado una marca indeleble en la historia de la música, trascendiendo generaciones y géneros. Estas cinco piezas son testimonio de su genialidad y contribución única al panorama musical:

“A Day in the Life” (1967): Esta epopeya musical de los Beatles, co escrita por Lennon y McCartney, es un testimonio de la experimentación y creatividad sin límites. Su estructura única y letras surrealistas la convierten en una obra maestra que desafía las convenciones musicales de su tiempo.

“Give Peace a Chance” (1969): Grabada durante la famosa “Bed-In for Peace” de Lennon y Yoko Ono, la canción se convirtió en un himno para movimientos pacifistas. Su simplicidad y el coro pegajoso la transformaron en un grito de paz durante una época tumultuosa.

“Working Class Hero” (1970): Con una cruda introspección lírica, esta canción ofrece una mirada sin filtros a la experiencia de clase trabajadora. Su relevancia perdura al abordar temas de alienación y desigualdad, resonando con audiencias que buscan autenticidad.

“Instant Karma!” (1970): Lennon captura la esencia de los cambios rápidos con esta energética canción. Grabada, mezclada y lanzada en tan solo diez días, refleja su capacidad para traducir ideas de manera inmediata. La canción encapsula la urgencia del momento y la filosofía de vivir el presente.

“Imagine” (1971): Como mencionaba al inicio de este texto, esta joya pacifista se erige como un himno universal de esperanza y unidad. Su letra simple pero poderosa ha resonado en la conciencia colectiva, convirtiéndola en un llamado atemporal a la paz y la fraternidad.

“Jealous Guy” (1971): es una canción escrita por John Lennon que apareció por primera vez en su álbum de 1971, “Imagine”. La creación de la canción se remonta a la época en que Lennon aún estaba con los Beatles, pero se titulaba “Child of Nature”. La canción sufrió una transformación significativa en su letra y tono antes de convertirse en “Jealous Guy”.

La letra de “Jealous Guy” aborda la autocrítica y la reflexión sobre el comportamiento posesivo y celoso en las relaciones personales. En muchos aspectos, la canción se considera una disculpa de Lennon por su propio comportamiento en sus relaciones anteriores, y se cree que está dirigida, al menos en parte, a su primera esposa, Cynthia Lennon. La canción captura la vulnerabilidad y la sinceridad de Lennon al abordar sus propios errores y expresar arrepentimiento.

En cuanto al contexto de la grabación, “Jealous Guy” fue producida por Phil Spector y se grabó en los estudios Ascot Sound en Tittenhurst Park, Inglaterra, al igual que el álbum “Imagine”. La canción es conocida por su melancolía y la emotiva interpretación vocal de Lennon, respaldada por arreglos de piano y cuerdas, además de un trasfondo un tanto psicodélico, algo que marco algunas de sus composiciones con The Beatles.

“Jealous Guy” ha sido ampliamente elogiada y ha perdurado como una de las canciones más destacadas de la carrera en solitario de John Lennon. Su mezcla de honestidad lírica y melódica la ha convertido en una de las composiciones más queridas y atemporales del catálogo musical de Lennon.

¿Qué hay de las colaboraciones de Lennon?

Además de su destacada carrera en solitario y su papel crucial en los Beatles, John Lennon participó en colaboraciones notables que ampliaron su influencia musical. Su asociación con artistas de renombre contribuyó a producir momentos emblemáticos en la historia de la música. 

Una de ellas fue la colaboración con Elton John en “Whatever Gets You Thru The Night” de 1974, no sólo produjo un éxito en las listas, sino que también marcó la única ocasión en la que Lennon alcanzó el número uno en solitario en vida. 

Asimismo, su contribución en “Fame” de David Bowie en 1975 demostró la versatilidad de Lennon, fusionando estilos y generaciones para crear una pieza atemporal. Estas colaboraciones subrayan la capacidad de Lennon para trascender límites y dejar una huella perdurable en la música en conjunto con otros grandes artistas de su época.

Y para cerrar, la última colaboración conocida de John Lennon. Sucedió en el festival Glastonbury 2022 durante la maratónica actuación de Paul McCartney, quién tocó “I’ve Got a Feeling” acompañado por la voz grabada de Lennon y un video con su imagen. Una actuación memorable y extremadamente nostálgica que rindió un tributo a una de las parejas creativas más relevantes en la música del siglo 20.

Estas canciones no solo son testimonio del talento musical de John Lennon, sino que también encapsulan sus ideales, preocupaciones y la evolución de su arte a lo largo de los años. Su legado perdura, recordándonos que la música puede ser una fuerza transformadora y eterna.

Y para ti ¿cuál es la mejor canción de John Lennon?

Por @DiegoKoprivitza / eldescafeinado.com

En esta ocasión hablaremos de los músicos que han formado o han sido parte de dos bandas igual de exitosas. Desde proyectos paralelos hasta encuentros fortuitos que quedaron para la posteridad. Los talentosos músicos detrás de icónicas bandas no paran, y nos sorprenden con otras agrupaciones que se vuelven igual o más famosas.

Nirvana

El primer caso que me viene a la mente es el de David Eric Grohl, quien comenzó su despegue en la industria musical como baterista de la mítica agrupación de grunge, Nirvana, en la década de los 90. Tras grabar su álbum “Nevermind”, Nirvana se convirtió en uno de los grandes fenómenos de la música alternativa.

Foo Fighters

Tras terminar Nirvana, Dave Grohl formó Foo Fighters. Él compuso e interpretó todos los temas de su primer disco, titulado sencillamente “Foo Fighters”.  Ya como frontman de este nuevo proyecto, reclutó a sus amigos para hacer de los Foo Fighters lo que es hoy: una de las agrupaciones de rock más populares del mundo, famosa por sus directos y grandes conciertos de estadio, encabezando los festivales más importantes. 

Them Crooked Vultures

Pero ahí no queda todo. Genio de la música y con una personalidad carismática, Dave Groh no se queda quieto y ha seguido formando proyectos paralelos, como Them Crooked Vultures, una agrupación más indie, pero que tiene una alineación de lujo: él mismo en la batería, Josh Homme, bien conocido por ser el frontman de Queens Of The Stone Age, y John Paul Jones, el legendario bajista y teclista de nada más y nada menos que Led Zeppelin.

El sonido de Them Crooked Vultures es una mezcla de blues pesado y rock and roll, bastante única y particular. Se formaron en Los Ángeles en 2008 y tienen un disco homónimo publicado. En 2019, Grohl mencionó en una entrevista que tienen planeado otro material. Esperemos que se nos haga seguir escuchando a esta super-banda.

Led Zeppelin

Y claro, no podíamos dejar de hablar de Led Zeppelin, una de las agrupaciones británicas más importantes del rock and roll. La banda estaba compuesta por Robert Plant en la voz, Jimmy Page en la guitarra, John Bonham en la batería y John Paul Jones en el bajo. 

Con 14 años de existencia y una decena de discos editados, Led Zeppelin se convirtió en un icono de toda una generación durante los años setenta. Canciones como “Black Dog”, “Stairway to heaven”, “Inmigrant Song o “Rock and roll” se han convertido en himnos hasta nuestros días. 

John Paul Jones dio un sonido particular a la agrupación a través del bajo, teclados e incluso instrumentos como el sitar o el banjo. Por ejemplo, sonidos como el de “The Lemmon Song” o “Kashmir” son productos de su talento e influencias.

The Yardbirds

Otro músico que tuvo que ver con dos bandas realmente exitosas fue Jimmy Page, el guitarrista de los mencionados Led Zeppelin, y quien es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia. 

Unos años antes de formar Led Zeppelin, Page formó parte de un supergrupo llamado The Yardbirds, en donde los talentosos Eric Clapton, Jeff Beck y Chris Dreja se encargaban de darle vida a un proyecto de rock and roll británico en el momento cúspide de la influencia inglesa dentro de este género musical.

Jimmy Page comenzó tocando el bajo y fue el guitarrista principal luego de que salieran Eric Clapton y Jeff Beck de la banda, y quienes posteriormente se convertirían en virtuosos solistas.

Page grabó el álbum “Little Games” con The Yardbirds en el 67 en donde colaboró con una canción completamente de su autoría llamada “White Summer”, y un par de años después publicaría junto a Led Zeppelin su LP debut.

Blur

Sin irnos de Inglaterra, en 1988 se formó la agrupación de britpop, Blur, encabezada por el vocalista Damon Albarn, que junto a Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree, irrumpieron en la escena con un sonido retro, con influencias de The Beatles o la escena de Manchester, sumado a un indie fresco y renovado. El proyecto inicialmente se llamaba Seymour. 

El boom de Blur fue incrementándose hasta convertirse en una agrupación de fama mundial tras estrenar el tema “Song 2”, que incluso llegó a ser banda sonora de un videojuego. 

El cuarteto londinense ha sido un fenómeno mediático y musical que ha recorrido diferentes estilos y ritmos a lo largo de sus nueve discos. Una trayectoria de tres décadas, con sus pausas, y proyectos alternos, como la otra gran banda de Damon, llamada Gorillaz.

Gorillaz

A Damon Albarn se le da eso de crear bandas de mucha calidad y propuesta, que además se vuelven hiper comerciales. Tal como sucedió con Gorillaz, un proyecto audiovisual creado junto a su amigo, el historietista Jamie Hewlett. 

Planeada en el sofá de su sala mientras Hewlett y Albarn curaban sus heridas amorosas tras la ruptura con sus respectivas parejas, Gorillaz puso un pie en la escena musical en 1998, cuando sus cuatro personajes ficticios: 2-D, Noodle, Murdoc Niccals y Russel Hobbs, comenzaron a mezclar hip-hop, electrónica, rock y electropop.

“Clint Eastwood”, “Rock The House”, “Feel Good Inc” son algunos de los temas que trascendieron en el tiempo y son ahora imprescindibles en las playlist de quienes gustan de este género musical. Además, de la gran cantidad de colaboraciones que han realizado desde hace un par de décadas, por ejemplo con Snoop Dog, Beck, Robert Smith, Tame Impala, Stevie Nicks, Elton John ¡y hasta Bad Bunny!.

Pixies

Pese a que los originarios de boston, Pixies, siempre se han mantenido en el estrato de banda alternativa poco comercial, varias de sus canciones resuenan mucho entre la gente que le gusta el rock, como esa icónica “Where Is My Mind?” que incluso formó parte de la banda sonora de “The Fight Club”, película protagonizada por Brad Pitt y Edward Norton. 

Formada en la década de los 80 por Black Francis, su vocalista, y Joey Santiago, guitarrista, Pixies emprendió un camino musical lleno de rock y punk crudo y estéticamente simple, que influenciará a toda una generación de grupos que aparecieron un poco después, como Nirvana.

La banda reclutó a la bajista Kim Deal, quien daría mucha personalidad con sus coros y letras. Fue a finales de los ochenta cuando, tras editar el tercer disco de estudio de Pixies, “Doolitle”, que la agrupación entró en un receso por problemas entre sus integrantes (en específico Black Francis y Kim).  En ese momento, la bajista creó, junto a su hermana gemela, The Breeders.

Kim Deal dejaría oficialmente a los Pixies en 2013.

The Breeders

Kim Deal entra en nuestro conteo porque, además de Pixies, ella fue fundadora de The Breeders. Una banda conformada junto a su hermana gemela Kelley a principios de los noventa, y que hace gala de todo ese sonido del rock alternativo de la época. 

Desde entonces, la agrupación ha editado cinco discos. Y su sencillo más conocido es, sin duda alguna, “Cannonball. Todo un himno generacional. El resto de su producción musical no es tan comercial, pero sí muy recomendado si te gusta este género musical.

Soundgarden

Ya que estamos en el rock alternativo de los noventa ¿quién no se acuerda de Soundgarden? Una banda de grunge y rock alternativo de la escena de Seattle que volvió global su sonido con agrupaciones como Nirvana, Pearl Jam o Stone Temple Pilots.

Soundgarden se formó en el 84 pero fue hasta mediados de los noventa cuando se convirtió en un fenómeno MTV, que le supondría premios, giras mundiales y canciones que quedaron para la posteridad, como sus sencillos “Black Hole Sun” y “Spoonman”. 

Su vocalista, Chris Cornell, quien falleciera en mayo de 2017, registraba una voz particularmente alta y una personalidad contundente sobre el escenario. Es más, según la revista Hit Parade, Cornell ocupa el cuarto puesto de las mejores voces de la historia del hard rock.

Como todo ente creativo no se conformó con ser parte de Soundgarden y buscó colaborar con otros proyectos, como Temple Of The Dog, una banda que mezcló a integrantes de Soundgarden y Pearl Jam para editar un disco tributo a un compañero caído por las drogas: Andrew Wood. 

Audioslave

Entre esos proyectos paralelos de Cornell, se encuentra Audioslave, un supergrupo encabezado por el vocalista y Tom Morello (guitarra), Tim Commerford (bajo y coros) y Brad Wilk (batería), todos ellos miembros de Rage Against The Machine. 

Fue el productor Ric Rubin quien unió a los ex integrantes de Rage Against The Machine, que habían entrado en una pausa indefinida, y a Cornell, quien había dejado Soundgarden. La química fue tremenda y el sonido muy particular, de ahí salieron tres discos y grandes sencillos, como “Like a Stone”, éxito de la radio en 2002.

The White Stripes

Uno de los guitarristas más prolíficos en la actual escena del rock es Jack White, quien fundara The White Stripes junto a su esposa Meg White en Detroit en 1997.

Su estilo garage, folk, lo fi llevó al dúo a ser un fenómeno mundial, firmando seis disco de estudio y logrando posicionarse como una banda de culto. 

Pero volviendo a Jack White, guitarrista caracterizado por usar tecnologías retro, muchos efectos y riffs impredecibles, también es una mente creativa que ha formado varias bandas exitosas, como la agrupación de folk The Raconteurs, su proyecto solista o The Dead Weather.

The Dead Weather

The Dead Weather es una banda de indie rock que se formó en Nashville en 2009. Sus miembros son Jack White, Alison Mosshart (The Kills), el guitarrista Dean Fertita (Queens of the Stone Age) y el bajista Jack Lawrence (The Raconteurs y The Greenhornes). Un supergrupo, vaya. 

Tienen tres discos producidos hasta el momento, todos ellos enfocados en el indie, garage y rock psicodélico, con un característico y creativo estilo que surge de unir talentos de esta magnitud: son una bomba. 

Estos son solo algunos ejemplos de músicos que han llevado sus ideas a otro nivel, plasmándolas en diferentes bandas y conceptos musicales. ¿Se te ocurre algún otro proyecto?

Por @DiegoKoprivitza / eldescafeinado.com

¿En dónde estabas hace 20 años? 

Era 2003 y todavía teníamos la resaca del cambio de milenio. Las noticias del mundo giraban en torno a la desastrosa guerra de Irak. También fue el año en el que se fabricó el último Vocho en México, y en agosto de ese año, cuando el guarura de Lucerito amenazó con su pistola a los reporteros durante una conferencia de prensa. Seguramente lo viste en el noticiero, ya es un clásico que mantiene humilde a nuestra historia de la televisión.

En 2003 Arnold Schwarzenegger se convirtió en el Goberneitor de California y también fue el año en el que murió Keiko, la famosa orca que protagonizó la trilogía de películas “Liberen a Willy”, además de ser la atracción principal de Reino Aventura, famosos parque acuático de la ciudad de México.

Jonhy Cash, el mítico cantautor estadounidense, dejaría de existir el 12 de septiembre. Con días de diferencia, en México perdíamos a El Piporro, Elulalio González, quien nos legó el famoso tema “El taconazo”.  

Y para echarle limón a la herida, el 8 de octubre nació Ángela Aguilar, cantante de mariachi e hija de Pepe Aguilar, y quien nos regala tantos memes en la actualidad.

Intenso, ¿verdad?

Ese año, el escritor mexicano Xavier Velasco ganó el premio Alfaguara por su novela “El Diablo Guardián”; mientras que Dan Brown estrenaba su libro “El Código Da Vinci”, que más tarde tendría películas y segundas partes.

En los cines se pudieron ver filmes como “Matrix Reloaded”, “Buscando a Nemo”, “Lost In Traslation”, “Piratas del Caribe: La maldición del Perla Negra” o “Kill Bill Vol. 1” de Quentin Tarantino. También sería el estreno mundial de “El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey”.

Parece que fue ayer. 

En la música se lanzaron discos que se convirtieron en clásicos de clásicos. Dos décadas y siguen engrasados, listos para reproducirse a todo volumen. Eso sí, todo es cíclico. Y si quieres sentirte en un bucle infinito, recuerda que fue en 2003 cuando Don Omar sonaba en todas las listas de éxitos de reguetón con su canción “Dale Don Dale”. 

En esta lista dejo muchos discos fuera. Intenté hacerla con algunos de los más exitosos y con sencillos que sonaron mucho en la radio, la mayoría de ellos de rock alternativo y pop. La verdad es que da para una segunda parte, y tal vez tú nos podrías ayudar con tus recomendaciones. 

15 discos que cumplen 20 años en 2023

1. The Strokes – “Room On Fire”

El segundo álbum de la banda neoyorquina tenía sobre sus hombros una tremenda presión. Debían igualar o mejorar su primera placa, que ya había sido toda una revolución dentro del rock y el marketing. La fórmula le funcionó bien a Julian Casablancas, Albert Hammond Jr., Nick Valensi, Nikolai Fraiture y Fabrizio Moretti, quienes, junto a Gordon Raphael como productor, dejaron para la posteridad tremendos sencillos como “12:51, “Reptilia” y “The End Has No End”.

¿Un dato curioso? En 2018, la BBC lo incluyó en su lista de “los álbumes aclamados que ya nadie escucha”. No aplica aquí. 

2. David Bowie – “Reality”

Uno de los mejores discos de David Bowie, con el perdón de los fanáticos. Fue una obra de arte que construyó a largo del tiempo con una consistencia en su sonido eléctrico y muy a su estilo. En este disco, el británico se reunió con su antiguo productor, Tony Visconti, con quien había grabado una de sus primeras placas, “Scary Monsters”.

Su sencillo “New Killed Star” es un himno a su madurez musical y un parteaguas en su estilo, desde luego con toda la influencia noventera.

Como dato extra: Bowie tuvo que detener su gira mundial por un ataque al corazón.

3. Radiohead – “Hail to the Thief”

Se trata de un disco con trasfondo político. Algo que Radiohead, tan conceptuales y experimentales, no solían hacer. Al menos no de manera tan directa. La guerra en Irak dominaba el discurso mediático y artístico durante el 2003 y “Hail To The Thief” fue un disco con enojo y crítica. 

El alma rockera y experimental se sumó a una poderosa base electrónica, dándole cada vez más forma al estilo musical de los británicos.

Uno de los temas icónicos de este material es “2 + 2 = 5”.

4. Blur – “Think Tank”

El 5 de mayo de 2003 fue la fecha de lanzamiento del séptimo álbum de los británicos. Se trata de un disco exploratorio, en donde la banda muestra un amplio repertorio de influencias musicales y culturales, incluso algunas sesiones fueron grabadas en Marruecos, algo que influyó en los arreglos de uno de sus sencillos más sonados: “Out Of Time”.

El disco también tiene un trasfondo político, incluso Damon Albarn, su vocalista, mencionó que era un disco sobre “amor y política”, en donde varios de sus temas se posicionan en contra de la guerra de Afganistán e Irak.

Entre los productores del disco figuran Norman Cook, mejor conocido como Fatboy Slim, y William Orbit, quien produjo el famoso “Ray of Light” de Madonna.

5. Yeah Yeah Yeahs – “Fever to Tell”

Es momento de subir el volumen a tope. “Fever to Tell” fue el disco debut de de Yeah Yeah Yeahs, quienes nos pusieron a rockear con un poderosísimo rock and roll y garage cargado de energía y sensualidad. 

En apenas 37 minutos, Brian Chase, Karen O y Nick Zinner, quienes se habían un par de años antes y que se habían hecho bien conocidos en la escena neoyorquina por su electrizante directo, retumban las bocinas con un LP de donde emanan sencillos como “Date with the Night”, “Pin”, “Y Control” y “Maps”. Difícil elegir uno favorito.

6. The White Stripes – “Elephant”

Un himno generacional salió de “Elephant”. Se trata de su canción “Seven Nation Army”, tema que abre el LP y con el que muchos conocieron a The White Stripes hace dos décadas. Minimalista, sencilla, compacta, esta canción fue la punta del iceberg. 

Sin duda el disco en su totalidad es bueno, pero este sencillo se lo llevó de calle. Un riff de guitarra pegajoso y una batería casi autómata nos ponen a bailar. Ahora suena en todos lados. La han versionado hasta el cansancio, e incluso suena a todo volumen en las gradas del béisbol profesional de Estados Unidos.

El disco no se detiene en el primer tema. Es el cuarto material de estudio de Meg y Jack White, cuando aún eran marido y mujer, fue grabado en Inglaterra y, según la revista Rolling Stone, se trata de unos de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, ocupando el puesto 390 de la lista.

Obra maestra.

7. Kings of Leon – “Youth & Young Manhood”

Y ya que estamos con los sonidos sureños de la Americana y el folk. Otro discazo que cumple 20 años es el “Youth & Young Manhood” de Kings of Leon. Fue su disco debut y causó revuelo porque en un principio los compararon con The Strokes, quienes vivían las mieles del éxito a principios de la década del dos mil. 

Muchos se desilusionaron al ver que no tenían punto de comparación. Pero eso les generó un público muy fiel que se prendió enseguida de su rock sureño mezclado con blues y ese guiño al indie rock que empezaba a cobrar tanta fuerza.

Los sencillos del disco fueron “Molly’s Chambers”, “Wasted Time” y “California Waiting”, pero la banda se hizo muy famosa con “Red Morning Light”, que apareció en el videojuego de FIFA 2004.

8. Deftones – “Deftones”

El nombre del disco iba a ser “Lovers”, pero la banda pensó que era muy obvio y se arrepintieron de último momento para dejarlo como disco homónimo. Se trata del cuarto álbum de la banda, la cual sumó a Frank Delgado como DJ en su alineación oficial. 

Si bien no es el mejor disco de Chino Moreno y compañía, este álbum cobró relevancia por tener un par de temas que se incluyeron en bandas sonoras de videojuegos: “Minerva” en “True Crime: Streets of LA”; y “Battle-axe” en Tom Clancy’s Ghost Recon Advanced Warfighter 2.

Con 9 discos de estudio y una carrera de 35 años. Sí, 35. Es una de las agrupaciones de nu metal más estables y probablemente longevas que existan.

9. Linkin Park – “Meteora”

Linkin Park fue todo un fenómeno del inicio del milenio. Se aprovechó de la oleada del nu metal y la llevó a una segunda generación más cercana al emo, rap metal y los recursos electrónicos. Su segundo álbum de estudio es “Meteora”, LP que vendió 810.000 copias en su primera semana. En total fueron 16 millones de ventas por todo el mundo.

“Faint” fue uno de sus sencillos más poderosos, aunque he de confesar que el disco en su totalidad es un material que funciona muy bien, incluso a la distancia. Todos los temas tienen algo. 

A 20 años de haberse lanzado y tras la terrible muerte de su vocalista, Chester Bennington en 2017, “Meteora” queda para la posteridad como un disco que vale la pena ponerse de vez en cuando. Por cierto, para celebrar las dos décadas del disco, Linkin Park lanzó un bootleg especial de seis discos de dos conciertos en vivo (Texas y Nottingham), rarezas, demos y detrás de cámaras en sus videos. 

10. Muse – Absolution

“Absolution” es el tercer disco del trío originario de Teignmouth, Devon, Inglaterra. Tras dos primeros materiales histriónicos y sumamente elevados en su propuesta musical, incluyendo vocales complejas y arreglos de piano que les daban un toque diferente a lo que estábamos acostumbrados; en “Absolution” el trío comienza a develar lo que sería su siguiente paso hacia un rock de estadio, dramático, más electrónico y con una producción más enfocada en el pop. 

Muse la rompió con “Time Is Running Out”, el sencillo que dejó a todos boquiabiertos, pues la banda había crecido. Ya no era una agrupación de indie rock británica. Ahora eran superestrellas del rock mundial. 

11. Placebo – “Sleeping With Ghosts” 

Cuando llegó “Sleeping With Ghosts” de Placebo, el trío británico ya se había hecho de un nombre en la escena. Incluso algunos fanáticos veían con algo de desaire este material que competía con sus éxitos anteriores, como “Every You Every Me”, “Pure Morning” o “Special K”, icónicas dentro de su discografía. 

Para 2003, Placebo tenía ya una década de carrera musical y “Sleeping With Ghosts” era uno de esos discos de transición, que por un lado debían mantener la calidad de su producción y por el otro tenían que buscar no repetirse y proponer. Difícil contexto.

El primer sencillo de este material fue “The Bitter End”, una canción que a la distancia es un hitazo, que no en vano es la segunda canción de la banda más reproducida en Spotify.

12. Amy Winehouse – “Frank”

En 2003 conocimos a una chica británica de estilo retro que editaba su disco debut, “Frank”. Ella era Amy Winehouse, una de las promesas del soul y quien moriría de sobredosis unos años después, en 2011.

Amy grabó “Frank” con apenas 19 años. Su caótica vida se sumergía entre crisis y arranques, y su propuesta musical no encontraría el éxito inmediatamente. Tras el lanzamiento del disco, pasaron algunos meses para que empezara a sonar en la radio y el fenómeno Winehouse cobrara fuerza.

“Stronger Than Me”, “In My Bed”, “Fuck Me Pumps” son temas que renovaron al soul, jazz y R & B de una manera que nadie se hubiera imaginado. La expresiva voz de Amy Winehouse la hizo una de las exponentes más importantes de los tiempos recientes.

Con apenas 27 años y dos discos bajo el brazo, Amy fue un tornado breve que dejó un enorme legado. 

13. Travis: 12 Memories

Una agrupación escocesa de sonidos nostálgicos muy apegados al brit pop, lanzó “12 Memories” en 2003, uno de sus mejores materiales y el cuarto de su carrera.

Ellos son Travis. Una banda que dio un pequeño giro a su buena onda para proponer un material más oscuro y por momentos político. Otra vez la guerra de Irak ponía en la agenda de los músicos británicos su postura ante la guerra, pero también temas como la violencia doméstica o los problemas mentales hacían su aparición.

Todo esto con una deliciosa instrumentación, sencilla, melódica y con arreglos acústicos que adornaron muy bien sus “12 Memories”.

De ahí se desprendió el sencillo “Re-Offender”, con el que comenzaron a promocionar el disco el 26 de septiembre de 2003.

14. Jay-Z – “The Black Album”

El octavo disco del rapero Jay-Z (Shawn Corey Carter) levantaba todas las alertas de “discazo a la vista” en noviembre de 2003. “The Black Album” iba a ser el último de Jay-Z (le siguieron otros siete, hasta la fecha), y hacía referencia a “White Album” de The Beatles y “Black Album” de Metallica, o al menos eso dicen.

Se trata de un disco diverso en las formas de cada uno de los 14 temas lo componen, y para ello trabajó con un puñado de productores entre los que estaban Just Blaze, The Neptunes, Kanye West, Timbaland, Eminem, DJ Quik, 9th Wonder, The Buchanans y Rick Rubin. 

Justamente fue el legendario productor del rock alternativo noventero, Rick Rubin, quien le metió mano a uno de los sencillos más sonados del disco: “99 problems”, un tema poderoso, violento y con una increíble vibra rockera. 

“The Black Album” de Jay-Z es uno de sus discos más exitosos de su carrera.

15.  OutKast – “Speakerboxxx/The Love Below”

Esta joya de OutKast se lanzó en septiembre de 2003 y es el cuarto disco de la banda. En realidad es un álbum doble, pues Speakerboxxx es el proyecto en solitario de Big Boi, en donde propone un hip hop más sureño, mientras que The Love Below, es el proyecto en solitario de su otro integrante, André 3000, quien se adentra en estilos como soul, pop, funk y jazz.

Este material de más de dos horas de duración, lleno de experimentación y libertad creativa se llevó un Grammy como el mejor álbum del año y otro como mejor álbum de rap; su sencillo “Hey Ya!” también recibió el premio como mejor actuación urbana/alternativa. 

“Hey Ya!” sonó en todos lados y su video fue memorable: cómico, bailable e irreverente. Viejos buenos tiempos.